Dub Dynasty / Resonators / Soothsayers

Cerramos esta temporada de reseñas con un garbeo británico que nos deja, invirtiendo las proporciones habituales, un LP y dos singles. Como ya ocurrió en la entrega del mes de abril, vuelve a destacar la presencia femenina, en las líneas de bajo y voces del álbum y en las vocalistas de los dos singles.

En el primero encontraréis sonidos salvajes de la campiña inglesa procesados por la mejor tradición del dubwise británico: Holy Cow, por Dub Dynasty. Los singles pertenecen a dos bandas que se encuentran sin ninguna duda entre las mejores del panorama actual: Resonators y Soothsayers.

Seguimos en septiembre. Stay roots!

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Dub Dynasty: Holy Cow (Steppas Records, 2xLP/CD)
Tras su álbum debut de 2013, Unrelenting Force, y el fantástico Thundering Mantis de hace un par de años, Dub Dynasty volvieron a ascender la primavera pasada hasta las más altas cimas del dubwise contemporáneo con la edición de Holy Cow, un nuevo doble LP con el que confirman la vigencia de los grandes nombres del UK dub de los noventa.

Porque Dub Dynasty no es más que la evolución natural de Alpha & Omega, el mítico dúo británico, sinónimo de fundación del UK Steppers, al que el adjetivo seminal habría que sumarle el de uterino, al menos si se quiere hacer justicia y atender a una de sus mayores virtudes: el equilibrio perfecto entre el polo masculino y el femenino, trasladado de forma brillante desde la composición misma del proyecto hasta su denso y legendario sonido.

Dub Dynasty es su evolución natural en sentido estricto y biológico, porque el tercer vértice del triángulo, junto a John “Alpha” Sprosen y Christine “Omega” Woodbridge, no es otro que Alpha Steppa, hijo y sobrino respectivamente. La nueva generación de la saga, que aporta, si cabe, mayor dinámica y energía en la mezcla de ese sonido que es sello de identidad de Alpha & Omega, un dubwise heavy y etéreo al mismo tiempo, siempre denso y místico, que resucitó a finales de los ochenta, en un barrio del sur de Londres, a los espíritus supervivientes del incendio de Black Ark para combatir la pesadilla del “capitalismo popular” thatcheriano.

Holy Cow despliega ese sonido inconfundible; incorpora magistralmente mugidos, cencerros, trinos y sonidos varios de la campiña inglesa; congrega diversas y brillantes aportaciones vocales e instrumentales en sintonía admirable con el sonido del álbum (Cologne, Iyano Iyanti, Sis Jane Warriah, Kiangana, Ras Tinny, Violinbwoy); y despliega un asombroso saber hacer en las mezclas y en cortes instrumentales como “Rig Veda”, “The Damselfly” o “I Am Dub”.

Un álbum formidable que viene a reivindicar, junto a otros recientes como los de Vibronics y Zion Train de la primavera de 2015, la primacía del UK Steppers fundacional en la expansión de la cultura soundsystem contemporánea. No habrá Brexit que pueda deshacer lo que las sabias dinastías del UK Dub han aportado a todo el continente.
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Resonators: Healer (Wah Wah 45s, 7”)
Resonators, aka “las armonías más audaces y seductoras del reggae-dub contemporáneo”, volvieron a editar un single a finales de la primavera pasada tras cuatro años de silencio discográfico. Demasiado tiempo para quienes sucumbimos desde su homónimo debut a la innata habilidad de la banda de Brighton para insuflar dub en el corazón de sus hermosas canciones. O quizá es a la inversa: fundir versos sobre la esponjosa placenta de sus dubs.

Sea como sea, pocas veces dub y canción amalgamaron de forma tan natural e imaginativa como en sus composiciones. “Healer” ha sido la última en ver la luz, una delicia absoluta que vino a calmar, con un título tan apropiado, la ansiedad de aquellos a quienes sus actuaciones en vivo nos pillan demasiado lejos.

La mala noticia es que “Healer”, y la versión dub que la acompaña, se editaron en tirada extralimitada y muy pocos afortunados llegaron a tiempo. La buena: es el single adelanto de su próximo LP, Imaginary People, cuya llegada esperamos con impaciencia para finales del próximo, muy próximo, mes de septiembre.
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Soothsayers: Nothing Can Stop Us / Take Me High (Red Earth Records, 7″)
Tras el fantástico tributo póstumo a Rico Rodríguez editado a finales de 2015, Soothsayers volvieron a la carga en junio con otro magnífico 7”. Si “Goodnight Rico” había sido una espléndida demostración de sentimiento y fuerza por parte de la sección de vientos de la banda londinense, ahora le tocaba el turno a sus exuberantes armonías vocales.

“Nothing can stop us” sonará a quienes conozcan su disco junto a Cornell Campbell, porque era el corte que abría y daba título al trabajo. Aquel ritmo rocksteady aparece ahora en forma de brillante uptempo, armonizado por los tres vocalistas: Idris Rahman, Robin Hopcraft and Julia Biel. Dice mucho de la calidad de la banda entregar dos versiones tan sobresalientes y contrastadas sin que en la segunda echemos en falta a Don Gorgon.

El reverso nos muestra otra de las múltiples facetas del sonido poliédrico de Soothsayers. “Take me high” parte de una base oscura y pesada desde la que nos elevan las voces y los metales hasta encontrar en las alturas un revoloteo de efectos analógicos y discretos fraseos de Cornell Campbell.

Soothsayers continúan prediciendo los infinitos horizontes de las músicas de raíz africana. Call it what you want, but i call it paradise!

Open Air Session 4, Plaza de Nelson Mandela, 06.08.2016

El próximo sábado 6, al filo ya del domingo, Echo Chamber Roots Hi-Fi volverá a salir a la luz (o a la noche) de las plazas de Madrilonia. Cuarta sesión al aire libre y cierre de temporada en Madrid en el marco de las Fiestas Populares de Lavapiés.
Porque son posibles unas fiestas participativas, diversas, sostenibles, sin ánimo de lucro, sin agresiones sexistas.
Porque tenemos ganas de agitar nuestros barrios y nuestros cuerpos.
Porque las estrellas siguen ahí, aunque traten de ocultarlas.
6 de agosto de 2016. Al filo de la media noche y a las puertas de la Quimera. Open Air Session 4 en la plaza de Nelson Mandela.cartel_OAS4_6ago'16_NelsonMandela

Sounds from the Ark / Memories / Massavana

Este blog no persigue la actualidad ni es víctima de la inmediatez, pero tampoco nos gusta dejarnos en el tintero trabajos que no tienen fecha de caducidad ni envejecen prematuramente a golpe de impacto promocional. Al igual que hace dos años, la primavera pasada volvieron a coincidir en un periodo muy corto las fechas de lanzamiento de tres discos muy estrechamente vinculados a Roberto Sánchez y su A-Lone Ark Muzik Studio. Esta entrega se centra en ellos. Disfrutadlos, que no abundan.

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The Rockers Disciples meet The Producers: Sounds from the Ark (Blackboard Jungle, LP/CD)
En tiempo de confluencias, (dos de) los proyectos con mayor peso específico y consistencia del roots reggae contemporáneo se aliaron para abordar un proyecto conjunto. En tiempo de retos impostergables, dicha confluencia se marcó un ambicioso objetivo: grabar un disco tributo a la Naturaleza y sus elementos esenciales.

El resultado fue Sounds from the Ark, un cofre de sonidos deslumbrantes, un disco conceptual que pese al exigente reto autoimpuesto no cae en lo pretencioso, pese al alto listón marcado por los trabajos previos de sus responsables supera sus propias expectativas. Un larga duración, en definitiva, que hace difícil esquivar la grandilocuencia porque se le queda corto, muy corto, el apelativo de “uno-de-los-discos-del-año”. Estamos, por decirlo de una vez, ante un hito indiscutible del roots del siglo XXI. Pero, ¿únicamente del siglo XXI?

De alguna manera, el corte que cierra el LP, “Sky Melodies”, viene a condensar las grandes dosis de talento instrumental puestas en juego, violín incluido, y la enorme calidad de toda la producción. Por lo demás, la riqueza del álbum es tal que hace casi imposible el ejercicio de reseñarla. Desde la inmersión multilingüe en el agua de la vida del primer tema, “Water of Life”, el disco es una fantástica senda que atraviesa las múltiples texturas, tejidos, fluidos, aromas, atmósferas y consistencias de la Madre Tierra. Una especie de decathlon rítmico y sonoro (el LP contiene diez cortes a los que se suman dos dubs en el cd) pleno de visiones luminosas, pausas esclarecedoras y un latido exultante que nos lleva desde la solidez montañosa (“Mountain Rock”) hasta los fondos abisales (“Abyssal Groove”) pasando por las densidades selváticas (“Jungle’s Calling”) sin ahorrarnos tormentas (“Lightning & Thunder”), movimientos tectónicos (“Earth Rumbles”), fuegos purificadores (“Fire Rises”), preguntas pertinentes (“Same Old Story”) y melodías místicas (“Mystic Wind”).

No es necesario profundizar en exceso en el currículum previo de los artífices de semejante ejercicio musical. The Rockers Disciples es la base de producción de Blackboard Jungle, esto es, una banda que cuenta cada una de sus grabaciones entre las más brillantes del roots de los últimos tiempos. Y sería largo y complejo enumerar incluso una breve discografía de los componentes de The Producers (en este disco, Roberto Sánchez, Don Fe y Prince Jamo). Pero también sería injusto no hacer mención a su aportación aquí, mayúscula, una vez más.

De Don Fe podríamos decir, dejando a un lado su faceta de productor -y no es poca cosa para dejar de lado- que se ha convertido en una “voz” de referencia de la escena contemporánea. Una “voz”, sí, por más que su instrumento principal sea la flauta, inconfundible allá donde aparece y, cómo no, también en este disco, donde colorea de forma magistral el paisaje profuso y cambiante producido por Blackboard Jungle y RockDis.

En cuanto a Roberto Sánchez y Prince Jamo, dejaremos también de lado -aunque de nuevo, no es poca cosa para dejar de lado- su vertiente de producers e incluso su indiscutible talento vocal. Porque cantantes talentosos hay muchos, pero letristas dignos no tantos, y es en esta faceta donde ambos destacan por una preciada y por desgracia tremendamente escasa virtud. A saber: el arte de pronunciar sólo las palabras precisas y hacerlo con sentido para no vaciarlas de significado. En terreno lamentablemente abonado por muchos para la palabrería vana, los lugares comunes y los significantes vacíos, ambos cantantes realizan una entrega vocal que rebosa honestidad y sentimiento. Un hecho destacable por sí mismo que brilla especialmente en esta producción en la que predomina el componente instrumental. Si decíamos que la flauta de Don Fe se había convertido en una “voz” propia, también a la inversa podríamos hablar de las voces de Roberto Sánchez y Jamo como de instrumentos de viento, puro aliento personal hecho música, incorruptible al histrionismo y la impostura.

Por último, la metáfora del arca resulta ser la imagen idónea que materializa el concepto global del álbum. Frente al gran diluvio neoliberal, la ahogante lógica de destrucción del planeta y desposesión forzosa de la mayoría de su población, he aquí un reducto donde resisten su diversidad y su conciencia.

Frente a la corrupción endémica, el austericidio, la financiarización de la vida y sus paraísos fiscales, he aquí la recreación de un mundo, casi olvidado, a través de ritmos y armonías: un paraíso musical para recordar nuestra esencia, nuestra raíz, nuestra naturaleza.
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The Viceroys meet Lone Ark: Memories (Iroko Showcase Vol. 2, LP/CD)
Todavía estaba caliente y muy cerca del plato la más reciente grabación de Noel Ellis producida por Roberto Sánchez, cuando el segundo volumen de la serie de showcases de Iroko apareció a comienzos del mes de mayo. Esta vez con triple novedad.

A buen seguro habrá sido un placer para Roberto Sánchez incorporar el formato de trío vocal jamaicano a su cada vez más amplio muestrario de colaboraciones internacionales. Un formato clásico, esencial en la genealogía del reggae, y otro nombre mítico para la nómina de A-Lone: The Viceroys, aquellos jovenzuelos que comenzaron fogueándose con Coxsone en la era rocksteady y se codearon después, con varios alias e intermitencias, con la flor y nata de los dorados setenta y primeros ochenta.

Nos encontramos de nuevo ante un soberbio ejercicio de roots reggae por parte de Lone Ark y Roberto Sánchez, que vuelve a coproducir el trabajo junto a Hervé Brizec, y compuso, grabó y mezcló los ritmos en A-Lone Ark Muzik Studio. Misma fórmula por tanto que en el anterior showcase e idéntico resultado: un disco de roots compacto y sin fisuras, una producción que viaja directa al pasado firmemente asentada en los más altos estándares de calidad del presente.

El repertorio de seis temas vocales constituye una rica paleta de recursos por parte de The Viceroys. “Memories” sintetiza a la perfección el espíritu del trabajo -no en vano le da título y ha sido editado también en formato single-, “Ya Ho pt.2” es una sobresaliente secuela del mítico tema grabado en Studio One y “Dj Clashing” una especie de entrañable relato costumbrista que suena a clásico de todos los tiempos. Acaso las líricas puedan resultarle a alguien un tanto melancólicas de más en su conjunto, o incluso habrá quien encuentre algún exceso naíf, pero el formato showcase compensará esa sensación con seis dubs que quitan el hipo y la producción misma, por otro lado, desafía aquello de “cualquier tiempo pasado fue mejor”.

Más aún: el árbol no debería impedirnos ver el bosque. Si contemplamos este showcase en continuidad con los anteriores junto a Earl Zero, Milton Henry, Earl Sixteen, Noel Ellis, o los dos LPs de Alpheus; si sumamos todo ello a los trabajos de producción y mezcla facturados por Roberto Sánchez para un número creciente de proyectos; si valoramos todo ello en conjunto con otra reducida serie de nombres activos en la actualidad; si hacemos memoria, en definitiva, también a corto plazo, podríamos entonces afirmar que los años dorados están aquí y son ahora.
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Bi.Ba (Bingy Band): Massavana (Dibyz Music, CD)
Massavana es el nombre de uno de los primeros revolucionarios del sur de África, un luchador de origen malgache que se alzó contra la esclavitud en 1766, cuando organizó una rebelión a bordo del barco esclavista en el que viajaba preso. Ésta es la figura histórica que ha inspirado y dado nombre al segundo larga duración de Bi.Ba (Bingy Band), una banda que nació en Madagascar en el año 2000 y editó a finales del mes de mayo su mejor trabajo tras el EP Oh Jah de 2008 y el álbum Madagascar de 2011.

La singularidad de la banda no reside únicamente en su origen: frente a tantas otras bandas del continente-madre que optan por el sonido del “reggae africano”, Bi.Ba realiza una decidida y exitosa apuesta por el roots jamaicano de los setenta. Puede que su traslado y residencia actual en Nantes hayan influido, dada la abundancia de proyectos de roots ortodoxo en la escena francesa, pero en cualquier caso la elección de Roberto Sánchez como productor para el álbum es toda una declaración de intenciones.

Tan clara es la apuesta de Bi.Ba que su cantante y compositor, Casimir Benjamin (Kazy), se trasladó en solitario a Santander para grabar íntegramente el trabajo en A-Lone Ark Muzik Studio junto a la Lone Ark Riddim Force. El resultado son diez cortes vocales y cuatro dubs que bien podrían haberse editado también bajo el título Bi.Ba meets Lone Ark en tanto que responden a los criterios incuestionables de A-Lone Productions: virtuosa ejecución de roots orgánico por parte de la banda y sobria y minuciosa producción analógica por parte de Roberto Sánchez.

En cualquier caso, la producción y factura de Massavana no ha de ocultar el talento de Bi.Ba y sus virtudes de base. Para empezar, Kazy es un habilidoso compositor que escribe y canta en inglés, francés y malgache de forma igualmente convincente. La clave es su timbre vocal, reposado y profundo, que sirve como perfecto vehículo para ese tono sufferah o miantsa (lamento, en malgache) que predomina en varios temas.

Ese componente roots mayoritario (“Massavana”, Natty Dread Wanna”,  “Maloka”, “La paix”…) liga y contrasta a la perfección con otros aromas y ritmos: el rocksteady de “Love me today”, el soleado giro de “Zarafina” o las melodías oceánicas de “Ny Mpanjaka”, último corte vocal, donde el origen índico de la banda se hace más patente.

Los cuatro dubs finales de Roberto Sánchez no hacen sino redondear un repertorio y un trabajo excelentes. Un billete de ida y vuelta a una pequeña isla del Caribe o a la más grande de las islas africanas, aún cuando tu presupuesto sólo te permita una escapada al Cantábrico. Un álbum muy oportuno para los meses más luminosos del año y otro proyecto francés al que seguir la pista.

Reseñas Do the Reggae 16: The Midlands Roots Explosion 2 / Nytto Dread meets Bass Culture Players / Alchemy Dubs 7”s

Muy pronto estará disponible el número veraniego de Do the Reggae y aquí os dejamos las reseñas de los tres trabajos que destacamos en esta ocasión: el segundo volumen de la compilación de roots de las Midlands británicas, el showcase de Nytto Dread junto a Bass Culture Players y las dos primeras entregas en 7” de Alchemy Dubs.
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AA. VV.: The Midlands Roots Explosion Volume Two (Reggae Archive Records, 2xLP/CD)
Tras el éxito del primer volumen de esta misma serie, que vio la luz hace exactamente un año, Reggae Archive Records vuelve a hacer un intensivo repaso de la cuantiosa y altamente cualificada producción de roots en las Midlands británicas en apenas una década a contar desde mediados de los setenta.

Son varias las razones que hacen esta entrega tan imprescindible como la primera: cuatro temas nunca antes editados (uno de Groundation y otro de Capital Letters); bandas o artistas no recogidos en la anterior compilación (Bass Dance, Natural Mystique, Linton Haughton, Afrikan Star y Sledge Hammer); la presencia de pesos pesados como Steel Pulse, Black Symbol, Sceptre o Eclipse; y dos nuevos temazos de Iganda y Carnastoan, bandas menos reconocidas que las anteriores, pero que ya destacaron en el primer volumen y reinciden aquí haciendo prever futuribles monográficos sobre su producción.

Si nos obligaran a descartar, quizá nos quedaríamos con “Bun Dem”, quintaesencia de Steel Pulse producida por Bovell, el bajo hipertenso de Iganda en “Mark of Slavery”, los siete exultantes minutos del “Sweet Melody” de Carnastoan, la metafórica ecualización por la que claman Capital Letters en el inédito “Equalisation” y el narcótico “None A Jah Jah Children”, denso néctar de ese roots espiritual de Black Symbol que ya elogiamos aquí con motivo del monográfico que le dedicó este mismo sello.

Pero en cualquier caso, la elección de este repoker dejaría otros dos sobre la mesa, pues el repertorio se extiende hasta los quince cortes. Un segundo volumen pleno de autenticidad, convicción y espíritu combativo. Igual de completo que el primero y, si cabe, aún más intenso.
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Nytto Dread meets Bass Culture Players (Lafamille Music, Digital)
Parece que la colaboración entre Nytto Dread y Bass Culture Players en el Foundation Showcase, aquel luminoso y firme “It’s so hard”, dejó a ambas partes con ganas de más. Aquí la muestra: un nuevo showcase con cinco vocales, sus cinco versiones dub y una extendida, donde el cantante barcelonés cobra todo el protagonismo vocal y ahonda en la vena soulful de los Players.

A la virtud de Puppa Shan de encontrar siempre a su aliado perfecto, Nytto Dread responde haciendo parecer que el repertorio está compuesto ex profeso para esta ocasión. Y éste es en efecto uno de los grandes logros del disco: por más que teníamos bien presentes cuatro de los ritmos, extraídos precisamente del Foundation, Nytto Dread consigue transfigurarlos y renovarlos a su medida. Es indudable que su voz y la autenticidad de su lírica son la piedra angular del proyecto, pero el oyente atento podrá descubrir también, y disfrutar, el juego de matices en la producción de Puppa Shan con respecto a las versiones del anterior showcase, apartado en el que la deliciosa flauta de Marta Mansilla en “Heart Melody” merece mención destacada.

Con todo, la mayor singularidad de este trabajo reside en la transparencia de la lírica, con varios fragmentos que nos hacen dudar de si algo había sonado con anterioridad en castellano tan genuinamente roots, tanto en su vertiente sufferah (“It’s so hard”, “Debo caminar”) como en los temas de denuncia y reivindicación más frontales (“África”, “Colonización”).

En un país donde la desmemoria se ha convertido en macabra seña de identidad, donde parece imperdonable retirar por error la placa de una calle pero perfectamente natural convivir durante décadas con nombres de criminales de guerra, es un regalo escuchar una traducción tan convincente de las principales reivindicaciones políticas del movimiento rasta. Tanto la afirmación del legado africano en “África” (…Otra cosa es que la historia no diga / como borraron de la tierra su huella / Otra cosa es que la historia no diga / como mintieron a la gente sin piedad…) como la denuncia de la indigesta lacra del régimen colonial en “Colonización”.

En este último corte, en formato discomix, Nytto Dread clava el mensaje sobre el “What a disaster” de Junior Brown y se despacha con la misma contundencia del ritmo para terminar por traducir, sin traicionar en absoluto, aquel proverbio africano que afirma: “hasta que los leones tengan sus propios historiadores, las historias de cacería seguirán glorificando al cazador”:
¡Extra, extra! ¡Todo es mentira!
La historia la escribieron quienes ganan la partida.
¡Extra, extra! ¡Manos arriba!
Más de quinientos años de cultura a la deriva.
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Ital & Vital ft Camila M: Magma Melodica Cut / Magma Dub (Alchemy Dubs 7”)
Ojah ft Nik Torp: Light & Power / Light & Power Dub (Alchemy Dubs 7”)
El sello Alchemy Dubs acaba de lanzar su primera referencia en 7” y no tardará en hacer lo propio con la segunda. Tras Wisdom, su manifiesto en 12”, Ojah reafirma en estos dos singles los fundamentos de su sonido robusto y destilado.

En el primero se alía al ritmo con Puppa Shan bajo el alías Ital & Vital. “Magma Melodica Cut” es un corte denso y cavernoso que Camila Monasterio inunda con el perfume melancólico y dulce de su melódica. En el reverso encontramos un dub a cuatro manos entre Ojah y Puppa Shan.

El segundo single verá la luz durante el verano y en él es Nik Torp quien empuña la melódica y vuelve a sorprendernos tras su impactante “Awasa” con otra entrega nada convencional: la excelente “Light & Power”.

Ambos 7” confirman la habilidad de Ojah para hacer fluir pasajes instrumentales sobre sus ritmos y ahondar luego en sus dubs con devoción de alquimista. Estas entregas constituyen además las dos primeras partes de una trilogía de melódicas que se completará con la participación de un tercer intérprete aún por confirmar.

Open Air Session 3, Plaza del Dos de Mayo, 02.05.2016

cartel_OAS3_2may'16_DosdeEl lunes 2 de mayo Echo Chamber Roots Hi-Fi hará sonar su sound system en la plaza del Dos de Mayo. Será la tercera sesión al aire libre de Echo Chamber, en esta ocasión con motivo de las fiestas populares y autogestionadas del barrio de Malasaña. A partir de la una del mediodía y hasta las cuatro de la tarde, sound system para todas las edades en pleno centro de Madrilonia. All tribes welcome!

Young Lords / Rising Tide / Wicked Dub Division

No es habitual el protagonismo femenino en nuestras reseñas, así que bienvenida sea la novedad de esta entrega: en dos de los proyectos son mujeres las que llevan la voz cantante: Rising Tide y Wicked Dub Division. Lo que no es tan novedoso es la buena salud de la escena reggae francesa. A finales de 2015 destacábamos los discos de Christophe Rigaud y Joe Pilgrim y en esta ocasión nos encontramos con dos nuevos proyectos: Young Lords nace de la conexión Marsella-París y Rising Tide, aunque sea una banda estadounidense, edita su primer LP con un sello francés. Ambas grabaciones confirman que al otro lado de los Pirineos se encuentra uno de los epicentros más fecundos del reggae global del siglo XXI. Régalez-vous!

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Young Lords: Rise (Dibyz Music, CD)
Estamos ante uno de los discos que más nos ha sorprendido en lo que va de primavera. Y eso que su single “Humble”, en el otoño pasado, ya sonaba tremendamente cool y anunciaba un proyecto a tener en cuenta.

En cualquier caso, raras veces la combinación de una banda, The HandCart, y un cantante, Alex Keren, suena tan convincente en su primer trabajo de estudio. Y en efecto la cosa tiene truco, aunque para nada fraudulento: la banda de Marsella acumula más de diez años de trayectoria como backing band en directo y en estudio, aparte de tener experiencia en la autoproducción y sello propio, The HandCart Market. Por su parte, Alex Keren está curtido en las tablas soul-pop a un lado y otro del Canal de la Mancha y no es extraño que haya editado anteriormente un disco en solitario, porque además de cantante es autor, compositor, ingeniero de sonido y productor. He aquí una de las claves de la madurez de este trabajo: por más que sea el primer lanzamiento del nuevo proyecto conjunto, no sería muy adecuado considerarlo una ópera prima.

Ya lo hemos dicho, pese a escucharlo con altas expectativas la sorpresa fue más que grata desde el delicado tema inicial que da título al disco. Y más aún, ese efecto sorpresa va en aumento con todo un primer tercio inapelable, enérgico en “Tired”, infeccioso en “Humble” y admirable en todo momento por la combinación de una frescura descarada con una firme vocación de sonido clásico. Justo en ese momento, para atestiguarlo, suena “Rockin’it”, soberbia declaración de intenciones con la inestimable colaboración del señor Dennis Alcapone. Como anillo al dedo.

Después de cuatro cortes a ese nivel, cualquiera esperaría un bajoncillo, pero nada de eso: “Youth” es un melancólico y evocador steady que casi invita a volver al corte inicial para comenzar a paladear un disco al que, ya está claro, le quedan muchas escuchas por delante. “Call my name” continúa en la línea del anterior y establece una especie de transición de dos temas en clave lovers, antes de que “Under the Sun” y “Someone Else” confirmen todas las virtudes anteriores también en el terreno del uptempo.

El tercio final no baja el listón: “Beauties of life” se autodefine a sí misma; “Eyes on you”, la incursión más rootsy del conjunto, es sencillamente sobresaliente; y “Grab it” redondea la brillantez y luminosidad del álbum antes de un delicioso broche acústico: “Precious”.

Con todo lo anterior, quizá la mayor virtud del disco reside en la coherencia y fluidez del conjunto. Si acaso, una posible pega que podríamos encontrarle, se trata en realidad de un deseo que el propio repertorio despierta: la ausencia de versiones dub bien podría convertirse en una posterior edición del disco completamente versionado: así lo sugieren diversos fragmentos, especialmente en “Rise”, “Call my name”, “Rockin’ it”, “Eyes on you”…

En definitiva, una brillante y fresca cosecha de soulful reggae contemporáneo, aunque sólidamente cimentada en los sonidos afines al mítico verano del 66. Cuidados arreglos y armonías, espléndida ejecución vocal e instrumental y experta producción.

Veremos si los programadores de los festivales de verano están a la altura y no se asustan con la amplitud de la banda. La apuesta será ganadora. Estos Young Lords no son tan jóvenes como su nombre indica: les sobra experiencia y señorío como para satisfacer a los públicos más exigentes.
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Rising Tide: Rising Tide (Soulbeats Records, 2xLP/CD)
Ya apreciamos en el último LP de Groundation, o incluso antes, en su último concierto en Madrid, el peso cada vez más notable que iba adquiriendo Kim Pommell, en principio corista, en la banda californiana. Lo que no podíamos adivinar es que esa tendencia fuera a convertirse en un proyecto en paralelo de una de las bandas más prolíficas del roots reggae actual.

Rising Tide podría definirse como la culminación de la deriva femenina apuntada por A Miracle. Un importante paso al frente por parte de un proyecto en el que, al margen de las colaboraciones, tres voces femeninas toman protagonismo: la mencionada Kim Pommell, Sherida Sharpe y Kerry Ann Morgan. Pareciera como si la esencia netamente femenina del roots (música de útero y raíz, expresión privilegiada del vínculo esencial con la Madre Tierra) comenzara a plasmarse también, de forma tímida e incipiente, en una mayor presencia de algunas mujeres en un por ahora pequeño puñado de proyectos. Rising Tide es uno de ellos. Más abajo veremos otro. Y también en el panorama estatal comienzan a aparecer señales esperanzadoras.

Sea como sea, Rising Tide es un proyecto que difícilmente puede valorarse sin tomar como referencia a Groundation. Dicho protagonismo femenino toma cuerpo sobre el esqueleto de la banda de Sonoma y su excelencia instrumental: Marcus Urani a las teclas y en la producción, Ryan Newman al bajo y Paul Spina a la batería. La propuesta es en esencia la misma: la exploración del reggae a través del jazz y viceversa. Pero también encontramos aquí, entre el discurso consciente, la densidad espiritual y la presencia constante de la Madre Naturaleza, todo ello habitual en Groundation, mayores dosis de groove, funk y sensualidad, además de la virtuosa guitarra de Yotam Silberstein, que incorpora este instrumento al repertorio de excursiones solistas de los californianos, donde también destaca la incorporación a la nueva banda de Jason Robinson, saxo y flauta.

“Is it Right” y “Seven Times Rise”, los dos singles de adelanto, definen bien los perfiles del nuevo proyecto. “Me and You” combina las voces femeninas con vientos luminosos. “Positive Vibes” es quizá el corte más groovero y funky. “One and All” resuena orgullosa y contundente: We don’t need reparation, we want justice! “Time Bomb” es una profunda y grave llamada de atención sobre los engaños del progreso. “Young, Strong and Beautiful”, un sensual r’n’b con temática explícitamente femenina. Y “Only Human” cierra el álbum en forma de canto a la música como expresión de vida y humanidad: Teach di youths dem seh, music is life and life is love and love is music.

Más allá de la traicionera e inevitable comparación con Groundation, estamos ante un nuevo caso de la extensa genealogía de la banda californiana. Lo interesante no es tanto comparar este disco con aquel otro, sino constatar la influencia de una banda que en buena medida abrió una senda en el cambio de siglo y en su dilatada trayectoria no sólo ha ido contagiando a otras formaciones, sino desbordándose a sí misma en varios proyectos hermanos: primero Rockamovya, después las producciones de Professor en solitario y ahora Rising Tide.

Una marea musical como correlato de otras mareas también crecientes: nuevos movimientos, nuevas acciones, sujetos y lenguajes, redes de apoyo, espacios liberados, plazas tomadas, escraches, nuevas organizaciones… Mares y océanos de acordes y consensos contra la devastación neoliberal.
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Wicked Dub Division: Red (WDD Production / CD)
Exactamente un año después del lanzamiento de su primer disco, Dub Drops, Wicked Dub Division vuelven al contraataque con Red, un trabajo que profundiza en las vibraciones heavyweight del anterior y suena aún más compacto y contundente. Este proyecto con base en Pordenone, en el nordeste italiano, factura dubwise en la mejor tradición británica, con un enfoque que podríamos catalogar como ortodoxo en lo estrictamente musical, pero con notables peculiaridades.

Para empezar, adoptan el formato de cuarteto: bajo, batería, dub live set y voz (con la notable incorporación en este disco de vientos de la North East Ska*Jazz Orchestra). Para continuar, no mencionan en todo el repertorio a su alteza imperial y propagan un mensaje con claras resonancias a conflictos presentes. Y para rematar, están liderados por una mujer, sí, ¡una frontwoman!

Indudablemente, Michela Grena, cantante también de B.R. Stylers, convierte a esta banda en un proyecto singular y no sólo por su condición de mujer. Aunque es cierto que lo hace desde la posición habitual de las mujeres en el mundo del roots y el dub, la de cantante, Michela Grena contagia a todo el proyecto con una especie de fuerza y presencia chamánicas. Quizá me falle la memoria, pero desde Alpha & Omega no recuerdo muchos ejemplos de un proyecto dubwise con semejante equilibrio entre los polos masculino y femenino. Por más que en este segundo disco no haya ningún alegato tan explícito como el “How Many Women que contenía Dub Drops.

En cuanto al disco en sí, el breve speech inicial, a modo de proclama, asienta el tono y el posicionamiento del disco desde la firme “Beating Heart”. Pero esa apelación directa al oyente, una constante en todo el repertorio, vuelve a ser literal en el comienzo de “Red”, un tema que da título y define el álbum, y en el que se suma Jules I, un nombre que comienza a resultarnos familiar por sus colaboraciones con Moa Anbessa, Bababoom Hi Fi, Mellow Mood y otros.

“Freedom” es un ritmazo militante sobre el que Michela Grena se emplea a fondo para completar un corte descomunal. Los sintes orientalizantes colorean la oscura “Past, Present and Future”, que nos rejuvenece luego durante los tres minutos de su remix jungle. La presencia de la Naturaleza, también constante aquí, se hace aún más patente en el segundo tramo: en “Croatian Sunset”, también con cierto aroma “arabesco”; en el aire de ritual liberador que impregna “Moon”; y en “Shine a Light”, donde encontramos una alusión política muy concreta y explícita:
…We can live again another life inna rich and democratic Europe
…Shine a Light on your heart, don’t touch me if you don’t know the story about my nation…

Un trabajo tan firme e inspirador como el propio proyecto. Ojalá sus peculiaridades (feminización, concreción política…) dejen de serlo y se conviertan en tendencia.

Reseñas Do the Reggae 15: Dub in Blood / Goma / Ganja Flower

En esta ocasión os avanzamos con mayor antelación nuestras reseñas para el próximo número de Do the Reggae. La razón es que cubrimos tres trabajos editados el pasado mes de febrero que no debéis dejar escapar. Desde el dub primigenio de Phil Pratt hasta el underground estatal contemporáneo de STA, sin olvidar el necesario paso por las british de la mano de G.T. Moore, aquí tenéis una entrega especial para dub heads y oídos inquietos. Disfrutadlos.

Dub in Blood coverGoma coverGanja-Flower-EP1-A

Skin, Flesh & Bones: Dub in Blood (Pressure Sounds, LP/CD)
The Best Dub Album in the World. Éste fue el desacomplejado título elegido por el productor Phil Pratt para la reedición británica de este LP a mediados de los 70. Antes, ya lo había publicado en Jamaica en su sello Sunshot bajo el título original que ahora recupera Pressure Sounds: Dub in Blood.

Podríamos decir que el tiempo ha puesto en evidencia un cierto exceso marketiniano de Pratt, porque con el paso de las décadas, sus construcciones impecables, su cuidadoso tratamiento melódico y su producción detallista son ya una garantía suficiente para cualquier amante del género. En efecto, George Phillips, a quién Ken Lack rebautizó como Phil Pratt, ha ido ganando merecidos adeptos, aunque aún hoy podemos afirmar que permanece injustamente a la sombra de sus contemporáneos más renombrados. Más allá de esta nueva y deseada reedición, su trayectoria merece ser reseñada por su apuesta sin fisuras por una producción musical de la más alta consistencia, ejecutada en sus múltiples grabaciones con los mejores músicos y cantantes, desde sus inicios en el rocksteady hasta la década de los ochenta.

Pratt nació en Kingston en 1942 y como muchos otros se inició en Sir Coxsone The Downbeat Soundsystem, trabajando como box man para “Coxsone” Dodd. En esa época nació su fructífera amistad con Lee Perry y trató de comenzar su carrera como vocalista en Studio One sin mucho éxito. Sin embargo, ese supuesto fracaso le llevó a entrar en contacto con Ken Lack, quién sí editó en su sello Caltone un tema de Pratt, “Sweet songs for my baby”, que alcanzó un éxito moderado y le permitió asomar la cabeza en el mundillo de la producción de esos años. De hecho, su colaboración con Ken Lack le permitió crear su reverenciado sello Sunshot como subsidiario de Caltone, y comenzar así una estelar trayectoria de producciones con los vocalistas más brillantes de la época: Ken Boothe (“Artibella”, “I´m not for sale”), John Holt (“My heart is gone”), Gregory Isaacs (“All I have is love”), Dennis Brown (“Black Magic Woman”), Pat Kelly (“How long”), All Campbell (“Gee baby”), Keith Poppin’s (“Envious”)…

El éxito, ahora sí, le animó a continuar por la senda del roots grabando a los djs más populares, mayoritariamente en Channel One Studios, sobre los ritmos más exitosos de Sunshot: U-Roy (“Real cool”), I-Roy (“Musical air raid”), Big Youth (“Phil Pratt thing”), Dillinger (“Platt skank”), Jah Woosh (“Psalm 21”), Dennis Alcapone (“This is butter”)… Y el mismo éxito le llevó también a fundar sus propios sellos: Terminal, Faith y Chanan-Jah, por destacar alguno de los más rootsys entre los diez que fundó.

En sus colaboraciones también cosechó jugosos frutos. Como ingeniero de sonido trabajó junto a Errol Thompson en el “Marcus Garvey” de Burning Spear. Nada menos. Y junto a su amigo y compañero de fatigas y farras, Lee Perry, grabó en Black Ark “Bobby Kalphat in Dub” y el que quizá fue el primer single de Linval Thompson, “Girl you’ve got to run”, además de colaborar en varios discos de dub del propio Perry, entre ellos “Lee Perry & King Tubby in Dub Confrontation”.

Desde el epicentro de esa trayectoria creativa, que se expande al mundo de la gastronomía (Phil Pratt es también chef y todavía regenta su propio restaurante en Londres) nos llega la reedición de este Dub in Blood, un LP de dub fundacional, compuesto por versiones espaciosas y esenciales de temas de Al Campbell y George Faith grabadas y mezcladas en Channel One por Ernest Hoo Kim y Ossie Hibbert en torno a la rocosidad de Sly Dunbar y otros pesos pesados que conformaron, de hecho, la piel, la carne y el esqueleto del roots reggae de su época: Leroy “Horsemouth” Wallace a la batería; Robbie Shakespeare, Aston “Familyman” Barrett y “Ranchie” McLean, al bajo; “Dougie” Bryan y “Chinna” Smith a la guitarra; Ansell Collins y Ossie Hibbert al órgano; y Bobby Kalphat y “Gitsy” Willis al piano.

¿Qué más podemos pedir? Quizá tan sólo cuatro bonus tracks. Dub en vena y en arteria para equilibrar la tensión y favorecer el riego. Mr. Pratt in full effect!
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STA: Goma (Humo, LP/CD)
No hay ninguna duda de que STA es la apuesta más clara y descarnada del panorama estatal por el dub como espacio de experimentación sonora. Su último LP, Goma, lo reafirma con contundencia y no deja de sorprender por la densa estela de atmósferas y texturas que deja a su paso.

Desde el triunfante y cósmico primer tema, STA no dan descanso, aunque sí pausa, a nuestro sistema sensitivo y emocional. “Corte” es una especie de síntesis de la continua exploración sinestésica que STA acomete con radicalidad en sus trabajos: una balsámica melódica alterna con sintetizadores abrasivos que desembocan en un final agónico. “Goma” hace pensar en una llamada a la oración en el País de Nunca Jamás de un Lee Perry juguetón. Y “Malmo” suena acuosa y cálida como un reconfortante baño de vuelta del viaje.

La cara B comienza en la oscura profundidad de “Fondo” para atraparnos en la pegajosa y persistente línea de bajo de “Splatter”, un corte soberbio que bien podría formar parte de una banda sonora de David Lynch. A partir de ahí, el cierre es también brillante y hasta cierto punto sorprendente. Primero, el delicioso aroma sureño y fronterizo de “Roudof” nos hace soñar con un disco de dub de Ry Cooder. Y después, el “Dennis Dragon” final, acaso el corte más amable del repertorio con cierto aroma naíf a base de vientos desvanecidos y una especie de nyabinghi garajero.

En definitiva, todo un aluvión de evocaciones, sonoridades y visiones en una especie de línea de metro fantasma que nos lleva hasta el primer King Tubby atravesando, aunque sin detenerse, las estaciones de High Tone, Adrian Sherwood, Cabaret Voltaire, Dennis Bovell y Black Ark. Aviso: este tren no admite viajeros que no renuncien a sus zonas de confort.
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G.T. Moore: Ganja Flower (Partial Records, 2×10”)
Partial Records continúa honrando la escurridiza trayectoria de una de las personalidades más singulares y menos clasificables del UK Roots. El compositor, cantante y multi-instrumentista inglés G.T. Moore fundó a comienzos de los 70 sus Reggae Guitars, una de las primeras bandas blancas del reggae británico. Pero también Heron, una banda de folk-rock que pasará a la historia por ser la primera en grabar un disco al aire libre, en un campo cercano al río Thames.

Muchos otros episodios de su biografía demuestran su heterogéneo y prolífico enfoque artístico: viajes musicales a Irán y Jamaica, múltiples colaboraciones y un continuo ida y vuelta entre el Reino Unido, Francia, Holanda y Bélgica involucrado en proyectos de diversos estilos.

Pero por lo que respecta a Ganja Flower basta decir que G.T. regresó a Inglaterra en torno al año 1990 y comenzó a trabajar junto a Rej Forte y Martin Campbell en Channel One UK. Ahí es nada. En 1991 vio la luz The Outsider Meets The Hi-Tech-Roots Dynamics, un álbum de roots instrumental con temas de melódica y dubs, del cual Partial Records extrajo recientemente el brillante “Jerusalem”.

Pero la colaboración con Rej Forte fue más allá, se extendió durante toda la década y las nuevas grabaciones, siempre en Channel One UK, sólo se editaron en cd en 2005, en Jah Works, el sello del propio Jah Rej. Así pues, grandes nombres del roots británico dieron forma a este trabajo, merecedor sin duda de esta reedición en vinilo y formato de doble EP por parte de Partial Records.

El sonido es justamente aquel que podrías esperar de sus artífices: las irresistibles melodías de G.T. y sus atmósferas meditativas tensadas por la cruda y vigorosa producción de Jah Rej. Algo así como un fértil terreno de cultivo a medio camino entre las frescas colinas de Ijahman Levi y la rocosa llanura de Jah Shaka.